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风格，源于积累和研发文化

　　风格，常常被用来形容游戏系列，或是一家游戏厂商的独有气质。但所谓的风格，并不受到题材或者单一要素的限制。比如玩家们熟悉的香草社、卡普空或者白金，这些有口皆碑的开发者，早已印制了自己的“名片”。而他们的作品无论怎样变化，几乎都能被一眼认出。

　　自然会有人感到疑惑，这种神奇的特质从何而来？沈黎认为，促成固有风格的缘由，内因是那些老牌厂商在某方面的积累、经验和理解。他们构筑了一道门槛，并在不断的精进下将门槛越提越高。

　　《幽林怪谈》看起来就是一款“有风格”的作品：卷轴动作、怪力乱神，夸张的人物立绘。当看到这些元素时，有经验的玩家脑中闪过的第一个印象可能就是香草社的作品。

　　《幽林怪谈》的作者并不避讳自己对香草社的喜爱，但相比当个蒙眼信徒，游戏最终能够成型，更多还是基于开发者的兴趣和经验积累。通过对中国古代历史的挖掘，结合具有东方韵味的美术风格，《幽林怪谈》以另类的方式讲述了一个充满中国元素的故事，在借鉴的基础上开始形成属于自己的风格雏形。

　　“主创对那个阶段的历史有很多积累，并不是为了凑一个中国背景去补课，基于长时间的兴趣他才做了这款游戏。”沈黎在谈到《幽林怪谈》立项的背景时解释到。

　　挖掘自己擅长的领域，并借着特长去积累“风格”，也许才是主创们意图追求的目标。

　　在工作室的启动阶段，沈黎承认自己其实也看得不那么清楚，对于风格没有明确的方向。但随着持续积累，越做越好几乎是一种确切的态度：老做一样的事情，其实也没什么意思。

　　我们还没法判断大家喜欢什么、擅长什么，愿意用什么样的方式推进，不能一开始就随便找个方向开发「10款动作游戏」。往后我们希望在几个垂直领域越做越好。NEXT Studios 的产品状态还不错，但也有明显的瑕疵，希望今后这些团队不停积累。比如幽林怪谈打击感还不错，但是流程不完整，那是不是下一个游戏就能更完整，重玩价值更高呢？

　　如果说某个垂直领域的积累，是形成风格的主要原因。那么，一个更为包容的研发文化，就是促成风格的先提条件。沈黎拿武侠游戏举了个例子 ：由于市场需求，国内、包括韩国游戏追求“绝对的美感”，设计师做出来的人脸虽然很美，但却趋于同质化。不过，有些开发者的视角不同，他们希望更普世和西方一点，会要求设计的一致性，该脏的时候就要脏。

　　关于这点， NEXT Studios 的研发环境已经相对较为自由。他们希望建立一种鼓励创意的研发文化，团队成员不乏十几年经验的 3A 游戏老兵，也有获得过奖项的独立游戏制作人，还掺杂了国内国外刚刚毕业的学生。由于内部的项目种类繁多，不同背景的人，都能找到比较合适和喜欢的工作，

　　“每个人都有很多想法，但有些人已经被安排到一些项目里了。那不如这样，我们参考谷歌，规定员工可以用20%的时间做自己的东西。有一个程序员，就用20%的时间做了个 Demo，后来我们觉得这个创意不错，给了少量资源，组了个很小的团队，用了比较短的时间完善游戏。”

　　这款游戏，其实就是一位普通雇员利用闲暇时间孵化，并且用 PLAYGROUND（游乐场）机制完成制作的《欧呜欧》。  

　　“虽然最开始只想做个小品游戏，但没想到他们把核心的玩法打磨得比较硬核，考虑了很多。初衷只是为了鼓励员工，让大家觉得自己的想法有可能实现，所以游戏上线时也没有收钱。”

　　除了“游乐场机制”之外，NEXT Studios 还有着对应毕业生的孵化项目“开普勒计划”，以及像《彩虹坠入》《幽林怪谈》这样自下而上，通过完整流程开发的内部作品，最后还包括投入较多人力，不太能够 1~2 人孵化的 2A 游戏。

　　一个多样的项目体系，以及较为宽松的研发文化，为这支团队从各个角度迈向积累的过程铺平了道路。

玩法，其实也是技术力的体现

　　在 NEXT Studios 的众多项目中，有一款基于“声音”的有趣作品。它的玩法非常特殊，玩家需要扮演侦探，听取不同位置、不同角色的对话，从而辨析这些人物的背景，以及背后的犯案者到底是谁。

　　“声音”成了串联线索的主轴，由于场景中的事件都是并行推进，同一时间只能记录 1~2 组对话，不得不反复回溯时间，改变自己的位置，整理每个片段的信息。游玩过程中，你能明显感受到声音的方位变化，以及远近所引起的强弱之分。

　　尽管看上去就是“放个响”那么简单，但由于游戏美术采用了简约和概括的形式，仅从单一的对话来看，要准确反应角色的形象气质，体现开发者设置情景的意图，声音团队也需要极为灵活的临场应变能力。

　　如何保证素材清晰，如何避免音频段之间的冲突，也涉及到考究的设备摆位。就算是为了消除环境音的影响，录音棚的搭建和材质都有相应标准。更别说加入感知方位的“人头录音”了，与传统录音不同的是，它得模拟人类定位声源的复杂逻辑，甚至牵扯到声波进入鼓膜后的变形和反射。

　　 独特玩法的探究，离不开可靠技术的支持。为了制作对应的内容，NEXT Studios 动用了国内最资深的音乐和音效专家，用沈黎的话来讲：“他们的音乐和音效一共3人负责，但是年龄总和超过130岁，相信已经是最资深的团队了。”

　　某种层面上，工作室对声音技术的重视，为玩法和创意做好了铺垫。就国内的大部分游戏而言，相比音乐、音效、配音等工作，可能更加重视策划、美术和程序。如果将内容分为两种，扎根于强规则驱动的作品，比如国内较火的 MOBA 和战术竞技类游戏，对音乐和音效的要求相对没那么高，但如果涉及到体验驱动，比如像《战神》《刺客信条》这种以叙事为主的游戏，声音的作用有时就非常关键了。

　　“包括我们以前做 3A 游戏也是，会对音效非常看重，借此来加强代入感、沉浸感和扮演感。我们内部有一个体验室，声音的环绕效果很好。但对于规则类游戏，它（音效）可能的确没有那么重要，国内很多游戏其实是靠规则驱动的，包括掉率什么的。”

　　结合沈黎过去参与 3A 项目的经验，以及工作室对声音和声效的投入，他们请来的资深团队，自然不单单只为了一款游戏。这背后的技术储备，同样是完成“积累”，迈向自我风格的举措。

　　谈到这家工作室的技术储备，GDC 上亮相的虚拟人像 Siren 同样不得不提。涉及到虚拟角色的拟真度，Siren 几乎已经是当前的最高水准。在实际的制作过程中，NEXT Studios 的主要工作是负责人物渲染，简而言之就是让建模“看起来像人”，这还牵扯到沈黎与 Epic Games 的关系。

　　“我本身也在 Epic 待过，与他们经常沟通，在一次讨论合作时就发起了这个项目。技术方面 Epic 非常 NB，里面有一个小团队来自电影行业，负责人制作过《黑客帝国》的特效。后来他们又找了几个合作伙伴，有做扫描的，也有做动捕的。”

　　Siren 并非一个噱头，借着相关技术的帮助，这支团队才有了探索更多玩法，制作 2A 项目的可能。沈黎将它称之为“程序化技术”，随着大型游戏制作成本的提高，内容量越来越大，如果全靠人力硬生生的堆砌，能够承载负荷的团队也将加速缩减。

　　“Siren 发布以后，我们建立了一套照相扫描设备，有200个相机，做游戏时真人往那一站，很快就扫描出来进行建模。包括脸部捕捉和动作捕捉，整个制作流水线都会用到，加快了速度。其实目前我们的 2A 团队人也不多，总共两个项目，一个20多人，一个30多人，得尽一切可能加快生产速度。”

　　沈黎进一步解释道：

　　“最终产品的质量，还是得看拿到之后修的水平。在与几个皮克斯前雇员交流时，建模扫出来他们就能立马察觉到哪里光影不太对，哪个参数有问题，我们现在就是缺乏这种素质。只能说，通过程序化技术，不再担忧低技术门槛的劳动力，最NB的那些人还是需要。”

　　从这些论述可以看出，技术的积累也是分层次、有深度的。一方面，程序化技术有助于中小团队去开拓新的玩法，甚至是触摸 3A 游戏的边界。另一方面，只有开发者本身的水准达到一定高度时，程序化技术才能被应用于修筑优秀的作品。

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